茶源起于中国，于唐代传入日本。日本一度十分崇尚唐朝传入的器具，随着茶道的发展与演变，也逐渐衍生出其独特的日本茶具，当今我国收藏界最热捧的铁壶便是其中之一。
日本茶道格局虽小，却擅长雕琢细节，日本茶具也是如此。日本茶具种类极其繁多，其中最具美学价值的，有凉炉、茶杯、茶釜、茶入和茶碗。
凉炉
凉炉就是煮水的小炉。沏茶首先要烧水，因此凉炉被奉为茶具之首。煎茶道追求“活水熟汤”，凉炉经历不断的改良，体型趋于轻便。日本一度推崇白泥制成的凉炉，认为其洁净高雅。
茶杯
茶具之中自然少不了茶杯。日本茶具中的茶杯体积容量极小，会令第一次接触的人大感吃惊。茶杯追求小而精，这也是日本茶具的一大特点。
茶入
茶入，指盛茶粉的小罐子。日本茶道中有两种茶：浓茶与薄茶。浓茶浓稠，薄茶则近似咖啡。因此，茶入也是一种重要的茶具。茶入由中国传入，据说最早是中国人盛放头油的器具，也有说法是中国盛饭火药的容器。
茶碗
这是日本茶具中最重要、最珍贵的一种，甚至被称为茶道具的总代称。日本茶具中的茶碗是陶制的，而且形制不断趋于朴拙，正是日本茶道所追求的回归自然。
除了以上几种之外，日本茶具还有：挂轴、花入、香盒、风炉、地炉、炉灰、炭斗、羽帚、釜环、火箸、釜垫、灰器、薄茶盒，茶勺，茶刷、清水罐，水注、水勺、水勺筒、釜盖承、污水罐、茶巾、绢巾、茶具架等等。
日本铁壶以及其他茶具皆源于中国，但又发展处自己的特色，因而在日本本土形成自身独特的茶道，真可谓精彩。
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爱茶之人可以说是每日茶杯不离手的，一套精美的茶具，带来的不只是袅袅茶香，更有不尽的美学……
宜兴紫砂壶
既不夺香，又无熟汤气。
陶器是我国最早的茶具，而陶器中的佼佼者当属江苏宜兴的紫砂茶具。早在北宋时期就已经崛起，成为别树一帜的优秀茶具，明代大为流行。
紫砂茶具有造型简练大方，色调淳朴古雅的特点，外形有似竹节、莲藕、松段和仿商州古铜器等形状。
紫砂壶和一般的陶器不同，其内外都不敷釉，采用当地的紫泥、红泥、团山泥烧制而成，由于其成陶火温较高，烧结密致，胎质细腻，既不渗漏，又有肉眼看不见的气孔，经久使用，还能吸附茶汁，蕴蓄茶叶，且传热不快，不致烫手；若热天盛茶，不易酸馊，即使冷热剧变，也不会破裂；如有必要，还可以直接放在炉火上煨炖。
旧时茶壶的把手在壶身一侧，煮茶之后既脏又烫手，好茶的苏东坡对此颇为苦恼。一天夜里，小书童提着灯笼送来夜宵，他灵机一动有了主意，经过数月的细作精修，便有了“提梁壶”。
汝瓷
天下博物馆，无汝者，难称尽善尽美也。
汝窑被称为中国瓷器的最高峰，它为宋代五大名窑之首，“纵有家财万贯，不如汝瓷一片”的说法并不夸张。
汝瓷产品以天青色为基调，有天青、天蓝、月白等釉色。坯胎以香灰色和灰白色为主。汝窑的天青釉瓷，釉中因为加入了玛瑙粉末，故色泽青翠华滋，釉汁肥润莹亮，有如堆脂，视如碧玉，扣声如馨，质感甚佳，有"似玉非玉而胜似玉"之说，色泽素雅自然。
茶友们都知道，汝瓷是茶席上一件可养的宝贝。经过茶水的滋养，汝瓷釉面会发生奇妙的开片（良好开片的标准素有“大器开小片，小器开大片”之说），并且会形成金丝铁线。这种金丝铁线，仿佛岁月之流，交织纵横于汝瓷之上。
龙泉青瓷茶具
九秋风露越窑开，夺得千峰翠色来。
龙泉青瓷，因其质地细润，釉色晶莹，青中泛蓝，如冰似玉，用来冲泡绿茶，更有益汤色之美。
龙泉青瓷茶具，“弟窑”的白胎和朱砂胎青瓷，光泽柔和，似冰类玉，高雅大方；“哥窑”的黑胎青瓷，饱满、莹洁的釉层与瑰丽、古朴的纹片相应，古朴典雅。
现代龙泉青瓷有新的突破，研究成功了紫铜色釉、高温黑色釉、虎斑色釉、赫色釉、茶叶色釉、乌金釉和天青釉等。
茶盏，历代有各种不同的称谓，每一种称呼背后即表达了茶人对茶盏之美的诗人想象，也体现了不同时代里茶盏的器型变化。
在饮茶之始，由于茶在当时的生活饮品中还没有占据主流位置，因此也就没有真正专门用来饮茶的器具，喝茶时常与酒器、食器一起混同使用。自秦汉以后，饮茶之风日渐兴起，茶具才开始从日常的食器、酒器中分离出来。至唐代，茶已成了人们日常生活饮品，并且形成了茶人兴茶、皇家重茶、文人写茶、佛教崇茶、举国饮茶的社会现象，此时方才出现了专门用于饮茶的器具——茶盏。
在唐代，茶盏常被称为茶碗（盌”、茶”。在唐代诗文中，茶瓯出现的频次要远高于茶碗。
茶碗的诗文，有：卢仝《七碗茶》的“一碗喉吻润……七碗吃不得也，唯觉两腋习习清风生”；王维《酬严少尹徐舍人见过不遇》的“君但倾茶碗，无妨骑马归”。
茶瓯的诗文，有：边塞诗人岑参《暮秋会严京兆后厅竹斋》的“瓯香茶色嫩，窗冷竹声干”；姚合《杏溪十首·杏水》的“我来持茗瓯，日屡此来尝”。
整个唐代诗人中，留下茶盏诗词最多的当数白居易。白居易自号醉吟先生，不独好酒，而且嗜茶如《想东游五十韵》的“客迎携酒榼，僧待置茶瓯”；《重修香山寺毕题二十二韵以纪之》的“烟香封药龟，泉冷洗茶瓯”；《山路偶兴》的“泉憩茶数瓯，岚行酒一酌”；《招韬光禅师》的“白屋炊香饭，荤膻不入家。……命师相伴食，斋罢一瓯茶”等等。
到了近现代，随着茶道的发展，日本茶碗逐渐获得较大的名声，非常著名的有"乐窑"、"织部窑"、"志野窑"等出产的茶碗。
除了和物茶碗外，茶碗的另外两个重要来源是中国的天目山建安窑和高丽国。前者被称为"天目茶碗"，是茶道中最早使用的茶碗，十分名贵，但随着利休等人逐渐将茶道引向朴拙自然，天目茶碗不再流行，现在已经极少使用,价值却与日俱增。而高丽茶碗实际上就是高丽民间的饭碗，十分简单粗糙，但在利休等大茶人眼里，却恰好体现茶道的本质，因此被大量的使用。
缺陷美也叫残缺美。从美学角度看，缺陷也是一种美丽，断臂的维纳斯便是明证。缺陷美也可以说是期待的美，期待实现完形的美。在美学上，经常把缺陷当作一种美。有了缺陷才更真实一些，有了缺陷才能让人有所思有所悟，有了缺陷才能感觉到人类追求完美和进步的最深层的呼唤和力量，所以缺陷美在美学上的实质是：它能唤起人某种特殊的感受，能激发人其他联想，在与完美的对比中，缺陷使人感觉到追求进步、追求美的需要，从而具有了积极的意义。
由此看来，在赏玩铁壶中要找到没有缺陷的铁壶是很困难的。在跟各地壶友交流的过程中常常会接受壶友们各种各样的提问，其中有相当一部分提问可以归纳为如何正确看待铁壶上的各种各样的缺陷。在这些缺陷中，一般无非包括两种情况：一是成长中的缺陷。随着时间的推移，这种缺陷会逐渐消失，比如陈化时间较短而保存较好的普洱茶在陈化转化过程中必然带来苦与涩的缺陷，这种缺陷在行家的眼里可能根本就不是缺陷，有时候反而是令人愉快的美的前兆。有经验的鉴赏者往往可以通过铁壶的沧桑程度的推断出它大概有多长的历史和它的使用、保存的情况。二是无法弥补的缺陷。至少我们可以通过缺陷知道缺陷之外都是美好，也可以知道缺陷较少的铁壶是多么的珍贵。
日本茶道虽追求精神上的“一心”，但却倡导面对现实生活的不完美，欣赏缺陷。比如，茶道中使用的茶碗，不论从造型到色彩等，常常可见到不均衡一致的陶瓷品，有的左右不对称，有的是釉没足色，有的更是表面粗糙。还有茶室中的花入或挂轴等茶道美术品，入眼的常常不是整齐划一的感觉，多是参差不齐。这种带有缺陷的美，却常有深度的魅力。日本茶道认为，缺陷的美，是一种奇数单一的美。就如中国书法中的行草，行云流水间的狂草，在不是正楷的忘形中，独自拥有一种看似不整齐规范的奇美。
铁壶的缺陷是客观存在的，任何一把铁壶或多或少地会有一些缺陷。没有缺陷的铁壶如同没有缺点的人一样是令人恐怖的。当缺陷出现在铁壶审美的过程中时，我们首先要考虑的是如何客观全面地看待它们,是认真地体会、分析它们与美的关系，而决不是主观简单地排斥或者指责它们。在很多时候，正是这些缺陷与瘕疵引导我们找到真正的美。
人生不会完美无缺,铁壶亦不可能完美无缺,
而缺陷却在我们追求完美的过程中显得异常珍贵,异常美丽。
我国茶具最早以陶器为主，再发展为表面敷釉的釉陶。瓷器发明之后，陶制茶具就逐渐为瓷制茶具所替代。江西景德镇所产的薄胎瓷器素有“白如玉，薄如纸，明如镜，声如磬”的美誉。瓷器茶具可分为白瓷茶具、青瓷茶具和黑瓷茶具等。
1、青瓷茶具
青瓷茶具出现最早。青瓷茶具自晋代开始发展，那时青瓷的主要产地在浙江。由于宋代瓷窑的竞争，技术的提高，使得茶具种类增加，出产的茶壶、茶碗、茶盏、茶杯、茶盘等，品种繁多、式样各异、色彩雅丽，风格大不相同。
浙江龙泉青瓷，以“造型古朴挺健，釉色翠青如玉”著称于世，特别是造瓷艺人章生一、章生二兄弟俩的“哥窑”“弟窑”，继越窑有发展，学官窑有创新，因而产品质量突飞猛进，无论釉色或造型都达到了极高造诣。因此，“哥窑”被列为五大名窑之一，“弟窑”也被誉为名窑之巨擎。
哥窑瓷胎薄质坚、釉层饱满、色泽静穆，有粉青、翠青、灰青、蟹壳青等，以粉青最为名贵。釉面显现纹片，纹片形状多样，纹片大小相间的，称为“文武片”，有细眼似的叫“鱼子纹”，类似冰裂状的称“白圾碎”。这本来是因釉原料收缩系数不同而产生的一种疵病，但人们喜爱它自然、美观，反而成了别具风格的特殊美。它的另一特点是器脚露胎，胎骨如铁，口部釉隐现紫色、因而有“紫口铁脚”之称。
从宋代起，龙泉青瓷不仅是国内畅销产品，也已成为重要出口商品。哥窑的青瓷茶具于16世纪首次运销欧洲市场，立即引起人们的极大兴趣。
2、白瓷茶具
白瓷茶具具有坯质致密透明，上釉、成陶火度高，无吸水性，音清而韵长等特点。白瓷茶具因色泽洁白，能反映出茶汤色泽，传热、保温性能适中，加之色彩缤纷，造型各异，堪称饮茶器皿中之珍品。早在唐时，白瓷就有“假玉器”之称，河北邢窑生产的白瓷器具已“天下无贵贱通用之”。唐朝白居易还作诗盛赞四川大邑生产的白瓷茶碗。元代，江西景德镇白瓷茶具已远销国外。如今，白瓷茶具更是面目一新。这种白釉茶具，适合冲泡各类茶叶。加之白瓷茶具造型精巧，装饰典雅，其外壁多绘有山川河流、四季花草、飞禽走兽、人物故事，或缀以名人书法，又颇具艺术欣赏价值，所以使用最为普遍。
3、黑瓷茶具
黑瓷茶具始于晚唐，鼎盛于宋，延续于元衰弱于明、清，这是因为自宋代开始，饮茶方法已由唐时煎茶法逐渐改变为点茶法，而宋代流行的斗茶，又为黑瓷茶具的崛起创造了条件。
宋代福建斗茶之风盛行，斗茶者们根据经验认为建安窑所产的黑瓷茶用来斗茶最为适宜。宋蔡襄《茶录》中说:“茶色白，宜黑盏，建安所造者绀黑，纹如兔毫，其坯微厚，久热难冷，最为要用。出他处者，或薄或色紫，皆不及也。其青白盞，斗试家自不用。”这种黑瓷兔毫茶盏，风格独特、古朴雅致，而且瓷质厚重、保温性能较好，故为斗茶行家所珍爱。
浙江余姚、德清一带也曾出产过漆黑光亮、美观实用的黑釉瓷茶具，最流行的是一种鸡头壶，即茶壶的嘴呈鸡头状，日本东京国立博物馆至今还存有一件，名叫“天鸡壶”，被视作珍宝。
《老子》二章云：“有无相生，难易相成。”实离不开虚、无，（虚实关系是从道的有无关系引申发展而来）这两个对立因素相互依赖并发生作用，才能使“道”真正地发挥作用，这样说来，“道”既是“有”又是“无”。老子在十一章还做了一个很形象的解释说，车轮、盆子、房屋等物之“用”，在于中间的“空无”。甚至可以说在老子看来，有无虚实的统一是宇宙万物化生运行发挥作用的根本。
后来，庄子在《天地》篇寓言中提出“象罔”的概念。“象”是“形”，“罔”是“无形”，“有形”为“实”，“无形”为“虚”。“象罔”是无形和有形、虚和实的统一，这是对老子思想的传承和发挥。这样的哲学思想不可能不对中国艺术产生深远的影响，以至于虚实结合成了中国古典美学最基本的表现方法，或者说是中国的艺术辩证法。它神奇的光彩必然在中国传统艺术的各个领域里闪耀，小说、绘画、书法、戏剧、建筑……
中国画最讲究“留白”，画面中的空白并不填实，有的是河、有的是天，却不让人感到空，反而更有意味。当然绘画毕竟是平面艺术，似乎离紫砂壶的造型有较大差距，那么我们还可以拿中国传统建筑来比较。园林建筑最能体现中国人的审美精神，所以设计者通常利用廊、窗、亭等的布局来“借景”，以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚。我们大可以把一把绝妙的紫砂壶作品也当作一座园林来欣赏，那里有曲径通幽，有院落与厅堂，有景物的呼应，有巧妙的花草点缀。在作品创作过程中突出实与虚的转化，虚实相生产生一种气韵生动的审美意境。在形与神的关系处理上主要体现那些借鉴生活器具的紫砂器上，它要求对实物的抽象化处理要做到形神兼备；在壶的身筒与纽、流、把、足的空间搭配上除了考虑实用功能外，又要求各部位之间的虚实相生。如曼生壶以及杨彭年和其他文人合作的仿古井栏、寒玉、汉瓦、合欢提梁等，无不给人无限想象空间。这种审美和书艺、画境在本质上是相同的，可谓之留白，可谓之虚境。
“疏可走马，密不透风”，紫砂壶的虚实对应正体现着这一中国美学精神。我们来看大彬提梁，此壶的身筒还是比较大的且呈丰满的扁球状。但我们在欣赏时为什么不会有笨重的感觉呢？妙就妙在提梁那硕大的圆环上，此一圆环所围成的“虚”的空间恰好在视觉上缓解了下部厚重的感觉。而且上下两个圆弧构成鲜明的虚实对照，使整体上让人感觉气势雄健，浑然一体，正所谓“周接四海之表，浮于元气之上”。这样大胆运用虚实的设计，还有当代徐汉棠的菱花提梁壶。而且可以说这款壶型的提梁所形成的“虚”空间更大，更空，甚至和“实”的部分不成比例，但由于身筒部分的形体饱满、筋纹刚健，再加上“虚”的部分本身有空灵之感，所以并不让人感觉有什么不协调。可以说这把壶是以实为本，以虚为用的经典。
沈括在《梦溪笔谈》中说：“星辰居四方而中虚，八卦分八方而中虚，不中虚不足以妙万物”。紫砂壶不仅“中虚”，还有流、把、钮、足所形成的虚空间和“实”对比，岂不更妙？除了提梁，钮的透空、把的圈环、足的提高无一不创造着紫砂壶的“虚境”。比如有些来源于古代青铜礼器的壶型，往往上部比较厚重，为了不使整体上让人感到蠢笨，设计者通常会在下部装上比较高的三柱或四柱形的足，以形成“虚”空间和上部呼应。这样既不失青铜器的粗犷厚重又显得古意盎然，质朴幽雅。其实，紫砂壶中的虚实结合还不仅仅表现在器型本身各部分之间的空间对照上。
更有趣味的是有些高明的工艺师通过创造形象的“实”来引起我们观者想象的“虚”，比如古代工匠在设计鼓架时就别具匠心。他们在鼓下安放着虎豹等猛兽形象，使人听到鼓声同时看到虎豹之形，两方面在脑中虚构结合就产生好像是虎豹在吼叫一样的主观感觉，使整个作品突然有了生气。
陈鸣远束柴三友壶上的松鼠，蒋蓉牡丹壶上的蝴蝶，莲花壶上的青蛙，其实就具有同样的审美效果。这样由形象产生的意象境界当然也是虚实的结合。然而从欣赏者的角度说，如果我们没有活跃的想象力对“实”的形象进行再加工，也就不可能产生真正的审美愉悦。
建水紫陶“残帖”的装饰艺术，最早出现在清光绪年间（1875-1908年），其构思精妙绝伦，手法新颖独特，是建水紫陶别具特色的装饰艺术图案，是建水陶艺师在继承祖国传统文化与书法艺术精髓的基础上，大胆吸取国画“锦灰堆”艺术精华而发展起来的，体现出传统审美中“残缺美”的艺术境界,事实上“残帖”与“锦灰堆”存在着千丝万缕的关系。
“残帖”是传统审美艺术在建水紫陶装饰中的继承和发展。残缺美属于美学范畴中一种特殊形态，早在先秦时期，人们用“书不尽言，言不尽意”表达“残缺之美”。
建水紫陶的“残帖”装饰，正是传统文化中“大成若缺”、“形残神存”、“未尽之美”的体现，对陶器装饰中“残缺美”审美价值的继承与发扬。
建水紫陶舍弃“锦灰堆”中残损实物入画的做法，吸取“锦灰堆”独具特色的文人装饰艺术——“断简残篇”，对“锦灰堆”绘画手法的继承和创新,采用建水紫陶独特的刻填、无釉磨光工艺制作具有断简残篇般古拙苍劲、斑驳残缺的装饰图案，成为建水紫陶特色装饰艺术和图案。
“残帖”以传统书法为装饰主题，在未干陶坯表面使用五色天然陶土色泥，镶嵌入陶坯装饰区域，运用各种书法体形式，把我国历代著名的金石铭文、诗赋、格言等内容装饰于陶坯之上，色区与书体内容之间反复交替，多次覆盖，层层迭压，之后经多道工序技法的综合处理，形成类似“断简残篇”的表象特征。
“残贴”所展现出来的美，是一种蕴含时间、空间和历史的文明之美，一种难以用语言来表述的艺术之美，一种带着古朴、含蓄、浑厚、苍拙的残和缺所创造的极致之美，体现中华传统审美的诉求。
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